Tim Buckley, einer der großen Rocksänger der 1960er Jahre, schöpfte aus Folk, Psychedelic Rock und progressivem Jazz, um in seinem kurzen Leben ein beachtliches Werk abenteuerlicher Arbeit zu schaffen. Sein Multioktavbereich war nicht nur zu erstaunlicher Kraft fähig, sondern auch zu großer emotionaler Ausdruckskraft, die von trauriger Zärtlichkeit zu gequältem Jammern überging. Seine rastlose Suche nach Neuland wirkte gegen ihn.: Als seine Fans sich in sein neuestes Album verliebt hatten, Er war auf etwas ganz anderes aus, sowohl live als auch im Studio. In diesem Sinne erinnerte er sich an Künstler wie Miles Davis und David Bowie, die so eifrig nach vorne schauen und sich verändern wollten, dass sie Zuhörer verwirrten und sogar verärgerten, die mehr stilistische Konsistenz wollten. Sein Eklektizismus hat jedoch auch für eine dauerhafte Faszination für seine Arbeit gesorgt, die einen wachsenden posthumen Kult für seine Musik hervorgerufen hat, oft mit Zuhörern, die zu jung waren (oder nicht da waren), um seine Musik zu schätzen, während er aktiv war.
Buckley entstand aus der gleichen 60er Jahre Orange County, CA, Folk-Szene, die Jackson Browne und die Nitty Gritty Dirt Band hervorgebracht. Mothers of Invention Schlagzeuger Jimmy Carl Black stellte Buckley und ein paar Musiker, mit denen Buckley spielte, dem Manager der Mütter vor, Herbie Cohen. Obwohl Cohen zuerst an Buckley als Songwriter interessiert gewesen sein mag, erkannte er nach einigen Demos, dass Buckley auch als Sänger ein Rohdiamant war. Cohen wurde Buckleys Manager und half dem Sänger, einen Deal mit Elektra zu bekommen.
Bevor Buckley seinen 20.Geburtstag erreicht hatte, hatte er sein Debütalbum veröffentlicht. Die etwas feenhafte, aber enorm vielversprechende Anstrengung hob seine hochfliegenden Melodien und romantischen, undurchsichtigen Texte hervor. Barocke Psychedelia war das Gebot der Stunde für viele Elektra-Veröffentlichungen der Zeit, und Buckleys frühe Folk-Rock-Alben wurden mit wichtigen Beiträgen der Musiker Lee Underwood (Gitarre), Van Dyke Parks (Keyboards), Jim Fielder (Bass) und Jerry Yester verschönert. Larry Beckett war auch ein übersehener Beitrag zu Buckleys ersten beiden Alben und schrieb viele der Songs mit.
Die zerbrechliche, melancholische, orchestrierte Schönheit des Materials hatte eine unschuldige Qualität, die auf der zweiten LP Goodbye and Hello (1967) nur geringfügig gedämpft wurde. Buckleys Songs und Arrangements wurden ehrgeiziger und psychedelischer, besonders auf dem langen Titeltrack. Dies war auch sein einziges Album, das die Top 200 erreichte, wo es nur Platz 171 erreichte; Buckley war immer ein Künstler, der seinen primären Wahlkreis im Untergrund fand, selbst für seine zugänglichsten Bemühungen. Sein drittes Album, Happy Sad, fand ihn sowohl in seiner Vokalisierung als auch in seiner Instrumentierung in eine ausgesprochen jazzige Richtung, Einführung von Congas und Vibes. Obwohl es damals ein Rückzug aus kommerziellen Überlegungen zu sein schien, schloss Happy Sad tatsächlich das Triumvirat der Aufnahmen ab, die als seine zugänglichsten gelten.
In Wahrheit interessierte sich Buckley Ende der 60er Jahre kaum noch für Folk-Rock. Er war mehr fasziniert von Jazz; nicht nur beruhigender moderner Jazz (wie auf der posthumen Veröffentlichung von Acoustic 1968 Live Material, Dream Letter), sondern auch seine avantgardistischsten Sorten. Seine Lieder wurden viel schräger in der Struktur und skelettartig in den Texten, besonders als die Partnerschaft mit Larry Beckett nach dessen Einführung in die Armee gebrochen wurde. Einige seiner Lieder gaben die Texte fast vollständig auf, behandelte seine Stimme selbst als Instrument, wortlos verzerren, schreien, und stöhnen, manchmal ziemlich kakophon. In diesem Zusammenhang, Lorca wurde von den meisten Fans und Kritikern nicht nur als schockierender Aufbruch angesehen, aber ein regelrechter Mist. Buckley war kein romantischer, melodischer Dichter mehr; Er war ein experimenteller Künstler, der manchmal darauf aus war, sich selbst und seine Zuhörer mit seinen wortlosen Schreien und seiner schrill dissonanten Musik zu bestrafen.
Fast als wollte er beweisen, dass er immer noch zu sanftem, erhebendem Jazz-Pop-Folk fähig war, gab Buckley ungefähr zur gleichen Zeit Blue Afternoon heraus. Seltsamerweise wurden Blue Afternoon und Lorca fast gleichzeitig auf verschiedenen Etiketten herausgegeben. Während eine bewundernswerte Demonstration seiner Vielseitigkeit, es war kommerziell fast Selbstmord, jedes Album annulliert die Auswirkungen des anderen, sowie verwirrend seine verbleibenden Fans. Buckley fand seinen besten Mittelweg zwischen Zugänglichkeit und jazziger Improvisation auf Starsailor aus den 1970er Jahren, was wahrscheinlich das beste Schaufenster seiner schieren stimmlichen Fähigkeiten ist, obwohl viele das überzeugendere Material seiner frühesten Alben bevorzugen.
Zu diesem Zeitpunkt war Buckleys Ansatz jedoch so unkommerziell, dass er sein kommerzielles Überleben gefährdete. Und das nicht nur in den Akten; er war ebenso kompromisslos wie ein Live-Act, wie das posthum veröffentlichte Live at the Troubadour 1969 mit seinen bis an die Grenzen gedehnten Marmeladen und sengenden Improv-Vocals zeigt. Eine Zeit lang soll er seinen Lebensunterhalt als Taxifahrer und Chauffeur verdient haben; er flirtete auch eine Weile mit Filmen. Als er ins Studio zurückkehrte, war es ein viel kommerziellerer Singer / Songwriter (einige haben vorgeschlagen, dass verschiedene Management- und Labeldrücke hinter dieser Verschiebung standen).
So sehr Buckleys experimentelle Jazz-Periode bei Fans und Kritikern für Spaltung sorgte, seine letzten Aufnahmen haben sich selbst unter großen Buckley-Fans als noch spaltender erwiesen. Einige sehen diese Bemühungen, die Funk, sexgetriebene lyrische Anliegen und entspannte LA-Session-Musiker mischen, als Beweis für seine Beherrschung des blauäugigen Soul-Idioms. Andere finden sie eine traurige Verschwendung von Talent, oder Relikte eines Wunderkindes, das ausbrennt, anstatt neue Reiche zu erobern. Neophyten sollten sich der unterschiedlichen kritischen Meinungen zu dieser Ära bewusst sein, aber im Großen und Ganzen sind seine letzten drei Alben seine am wenigsten beeindruckenden. Diejenigen, die sich anders fühlen, zitieren normalerweise die früheste dieser LPs, Grüße aus L.A. (1972), als seine beste Arbeit aus seiner letzten Phase.
Buckleys Leben fand Mitte 1975 ein jähes Ende, als er kurz nach Abschluss einer Tournee an einer Überdosis Heroin starb. Diejenigen, die ihm nahe stehen, bestehen darauf, dass er seit einiger Zeit sauber war, und beklagen den Verlust eines Künstlers, der trotz einiger jüngster Misserfolge noch viel zu bieten hatte. Buckleys Bestand begann im Rock-Underground zu steigen, nachdem die Cocteau Twins in den 1980er Jahren sein „Song for the Siren“ coverten. Die posthumen Veröffentlichungen von zwei Live-Sets der späten 60er Jahre (Dream Letter und Live at the Troubadour 1969) in den frühen 90er Jahren steigerten ebenfalls sein Profil und enthüllten einige interessante, bisher unveröffentlichte Kompositionen. Sein Sohn Jeff Buckley begann ebenfalls eine musikalische Karriere, bevor er 1997 tragisch starb.
– Wolfgang Amadeus Mozart