Uno de los grandes vocalistas de rock de la década de 1960, Tim Buckley se inspiró en el folk, el rock psicodélico y el jazz progresivo para crear un considerable cuerpo de trabajo aventurero en su breve vida. Su rango de varias octavas era capaz no solo de un poder asombroso, sino también de una gran expresividad emocional, pasando de la ternura dolorosa a los lamentos angustiosos. Su incansable búsqueda de nuevos territorios le perjudicó comercialmente: En el momento en que sus fans se habían enganchado a su último álbum, estaba en algo completamente diferente, tanto en vivo como en el estudio. En este sentido, recordó a artistas como Miles Davis y David Bowie, que estaban tan ansiosos por mirar hacia adelante y cambiar que confundieron e incluso enojaron a los oyentes que querían más consistencia estilística. Sin embargo, su eclecticismo también ha asegurado una fascinación duradera con su trabajo que ha engendrado un creciente culto póstumo a su música, a menudo con oyentes que eran demasiado jóvenes (o que no estaban cerca) para apreciar su música mientras estaba activo.
Buckley surgió de la misma escena folk del Condado de Orange, California, de los años 60 que engendró a Jackson Browne y a la Nitty Gritty Dirt Band. Jimmy Carl Black, baterista de Mothers of Invention, presentó a Buckley y a un par de músicos con los que Buckley tocaba al mánager de Mothers, Herbie Cohen. Aunque Cohen pudo haber estado interesado por primera vez en Buckley como compositor, se dio cuenta después de escuchar algunas demos de que Buckley también era un diamante en bruto como cantante. Cohen se convirtió en el mánager de Buckley, y ayudó a la cantante a conseguir un acuerdo con Elektra.
Antes de que Buckley cumpliera 20 años, lanzó su álbum debut. El esfuerzo ligeramente peludo pero enormemente prometedor resaltó sus melodías altísimas y sus letras románticas y opacas. La psicodelia barroca estaba a la orden del día para muchos lanzamientos de Elektra de la época, y los primeros álbumes de folk-rock de Buckley se embellecieron con importantes contribuciones de los músicos Lee Underwood (guitarra), Van Dyke Parks (teclados), Jim Fielder (bajo) y Jerry Yester. Larry Beckett también fue un colaborador pasado por alto de los dos primeros álbumes de Buckley, co-escribiendo muchas de las canciones.
La belleza frágil, melancólica y orquestada del material tenía una calidad inocente que solo se amortiguó ligeramente en el segundo LP, Goodbye and Hello (1967). Las canciones y arreglos de Buckley se volvieron más ambiciosos y psicodélicos, particularmente en la larga canción que da título al álbum. Este fue también su único álbum en llegar al Top 200, donde solo alcanzó el puesto número 171; Buckley siempre fue un artista que encontró su base principal entre el underground, incluso por sus esfuerzos más accesibles. Su tercer álbum, Happy Sad, lo encontró en una dirección decididamente jazzista tanto en su vocalización como en su instrumentación, introduciendo congas y vibraciones. Aunque parecía un retiro de las consideraciones comerciales en ese momento, Happy Sad en realidad concluyó el triunvirato de grabaciones que se consideran sus más accesibles.
La verdad era que a finales de los años 60 Buckley apenas estaba interesado en el folk-rock. Estaba más intrigado por el jazz; no solo el jazz moderno relajante (como se escucha en el lanzamiento póstumo de material acústico en vivo de 1968, Dream Letter), sino también sus cepas más vanguardistas. Sus canciones se volvieron mucho más oblicuas en estructura, y esqueléticas en letras, especialmente cuando la asociación con Larry Beckett se rompió después de la inducción de este último al Ejército. Algunas de sus canciones abandonaron la letra casi por completo, tratando su propia voz como un instrumento, retorciéndose sin palabras, gritando y gimiendo, a veces de manera bastante cacofónica. En este contexto, Lorca fue visto por la mayoría de los fans y críticos no solo como una salida impactante, sino como un verdadero fastidio. Buckley ya no era un poeta romántico y melódico; era un artista experimental que a veces parecía empeñado en castigarse a sí mismo y a sus oyentes con sus gritos sin palabras y su música discordante.
Casi como para demostrar que todavía era capaz de un pop-folk suave y edificante, Buckley emitió Blue Afternoon alrededor de la misma hora. Curiosamente, Blue Afternoon y Lorca se emitieron casi simultáneamente, en diferentes etiquetas. Si bien fue una demostración admirable de su versatilidad, fue casi un suicidio comercial, cada álbum canceló el impacto del otro, así como confundió a sus fans restantes. Buckley encontró su mejor punto medio entre la accesibilidad y la improvisación jazzística en la década de 1970, Starsailor, que es probablemente el mejor escaparate de sus habilidades vocales, aunque muchos prefieren el material más convincente de sus primeros álbumes.
En este punto, sin embargo, el enfoque de Buckley era tan poco comercial que estaba poniendo en peligro su supervivencia comercial. Y no solo en el registro; fue igualmente intransigente como un acto en vivo, como lo demuestra el Live at the Troubadour 1969 publicado póstumamente, con sus atascos extendidos hasta el límite y sus voces de improvisación abrasadoras. Durante un tiempo, se dice que se ganó la vida como taxista y chofer; también coqueteó con películas por un tiempo. Cuando regresó al estudio, fue como un cantante/compositor mucho más comercial (algunos han sugerido que varias presiones de gestión y discográfica estaban detrás de este cambio).
A pesar de un cisma como el período de jazz experimental de Buckley creado entre fans y críticos, sus grabaciones finales han demostrado ser aún más divisivas, incluso entre los grandes fans de Buckley. Algunos ven estos esfuerzos, que mezclan funk, preocupaciones líricas impulsadas por el sexo y músicos de sesión relajados de Los Ángeles, como prueba de su dominio del lenguaje soul de ojos azules. Otros los encuentran un triste desperdicio de talento, o reliquias de un prodigio que se estaba quemando en lugar de conquistar nuevos reinos. Los neófitos deberían ser conscientes de la diferencia de opinión crítica con respecto a esta época, pero en general sus últimos tres discos son los menos impresionantes. Aquellos que se sienten de otra manera suelen citar el más antiguo de esos LP, Greetings from L. A. (1972), como su mejor trabajo de su fase final.
La vida de Buckley llegó a un final repentino a mediados de 1975, cuando murió de una sobredosis de heroína justo después de completar una gira. Sus allegados insisten en que había estado limpio durante algún tiempo y lamentan la pérdida de un artista que, a pesar de algunos fracasos recientes, todavía tenía mucho que ofrecer. El repertorio de Buckley comenzó a crecer entre el rock underground después de que los Cocteau Twins hicieran una versión de su «Song for the Siren» en la década de 1980. Los lanzamientos póstumos de dos sets en vivo de finales de los 60 (Dream Letter y Live at the Troubadour 1969) a principios de los 90 también impulsaron su perfil, además de revelar algunas composiciones interesantes inéditas. Su hijo Jeff Buckley también inició una carrera musical antes de su trágica muerte en 1997.
– Richie Unterberger