Anish Kapoor zdobył międzynarodowe uznanie w latach 80. jako członek pokolenia nowych brytyjskich rzeźbiarzy. Od tego czasu rozwinął twórczość, która wyróżnia się ogromną różnorodnością i ambicją, a intymność nie-pewnych obiektów w przestrzeni wewnętrznej przeszła na monumentalną skalę krajobrazu miejskiego i wiejskiego.
Autor: Efi Michalarou
Photo: Fundación Proa Archive
indywidualna wystawa Anisha Kapoora „Surge” w Fundación Proa w Buenos Aires prezentuje najważniejsze prace z ostatnich 40 lat jego praktyki, od wczesnych rzeźb pigmentowych po jego najgłębsze zainteresowanie materiałami rytualnymi. Wystawa prezentuje ikoniczne i unikalne języki rzeźbiarskie, z których artysta zasłynął. Dzięki zmienności formy materiały takie jak wosk, kamień, pigment i stal nabierają cech przewyższających ich materialność. Od monumentalnej, automatycznie generowanej rzeźby woskowej” Svayambhu „(2007), przez formę i bezforemność prac wyłaniających się z samej architektury, takich jak” When I am Pregnant „(1992), po przestrzeń graniczną tworzoną przez prace lustrzane, takie jak” Non-Object (Door) ” (2008); prace Kapoora wypełniają opozycyjne dualności –wnętrze/Zewnętrze, obecność/nieobecność, Mężczyzna/Kobieta. Pomieszanie tych stanów binarnych tworzy obiekty i przestrzenie zarówno nieznane, jak i znane, nieznane, a jednocześnie niezwykłe. Rzeźby Kapoora umieszczają publiczność w niepewnym terenie. Stworzony w 2007 roku przez artystę z Londynu, Anisha Kapoora, praca „Svayambhu” bierze swoją nazwę od sanskryckiego słowa oznaczającego Samo-generowane lub automatycznie generowane. Sam utwór jest dużym kawałkiem czerwonego wosku ułożonym na torze, który poruszał się przez 5 różnych pomieszczeń w Haus der Kunst w Monachium. Gdy wosk powoli przemieszczał się z pokoju do pokoju, pozostawił po sobie ślad wosku, zarówno na podłodze, jak i na drzwiach, przez które przechodzi. Ten czerwony szlak przypomina krew i wzywa do uwagi globalnego konfliktu, a dokładniej prześladowania tych z wiary żydowskiej, wspólny temat w pracach Kapoora. Praca nawiązuje do myśli Bennetta o zasadach moralnych. Chociaż w utworze uszkodzenia ciała nieorganicznego wyrządza zarówno wosk, w przypadku ścian i podłóg Haus der Kunst, jak i wosk, w sposób, w jaki wosk jest zużywany przez proces przesuwania się po przestrzeni, jest on reprezentatywny dla szkód wyrządzonych ciałom organicznym osób dotkniętych konfliktem. Pomysł na pracę „When I Am Pregnant” przyszedł artyście na wycieczkę do Uluru, renomowanej formacji skalnej z piaskowca w Australii. W swoich notatkach napisał: „biała forma na białej ścianie”. Właśnie na tym polega ta praca. Początkowo przestrzeń wystawiennicza wydaje się zupełnie pusta – ściany są świeżo pomalowane na biało, a podłoga pozbawiona przedmiotów. Okrągła forma przypominająca brzuch w późniejszych stadiach ciąży pęcznieje ze ściany. Nie ma żadnych krawędzi ani obramowań definiujących formę. Płynny charakter instalacji uwidacznia się w przestrzeniach między sztuką a architekturą, jest jednocześnie monochromatycznym obrazem, rzeźbą i instalacją, a także ścianą. „Smok”, wykonany z ośmiu Japońskich kamieni koryta rzeki, przecina wiele języków formy w pracy Kapoora: Nie-obiekt, automatycznie generowany obiekt, monochromatyczny i pustka.. Dzięki prostej interwencji pokrywania kamieni głębokim pigmentem prusko-niebieskim następuje percepcyjna transformacja materii. Jego skóra, w przeciwieństwie do wnętrza, stała się eteryczna i bezgraniczna; kamienie, które ważą prawie trzy tony, wydają się zarówno ciężkie, jak i nieważkie, jakby unosiły się nad ziemią. Jest to zarówno to, co kiedyś było, jak i coś innego, obiekt pośredni. Kamienie te, powstałe w przyrodzie w procesie korozji, absorbują pigment, tworząc powierzchnię nasyconą pustką. „Podwójny zawrót głowy” składa się z dwóch zakrzywionych, refleksyjnych płaszczyzn ze stali nierdzewnej (nieco Serra-esque), które zmieniają percepcję przestrzenną i tworzą iluzję stania w nieskończonej przestrzeni. „Non-Object (Door)” To sześcienne lustro, które odbija się ze wszystkich stron zniekształconą formą. Obiekt ten jest jednocześnie obecny i nieobecny. Sama lustrzana powierzchnia sprawia, że rzeźba niemal znika, wtapiając się w otoczenie, nie mając innego obrazu niż subtelne zniekształcenie. Ten nie-obiekt staje się punktem grawitacyjnym, gdy inne ciało zbliża się do niego. „Shooting into the Corner II” składa się z armaty opracowanej przez Kapoora wraz z zespołem inżynierów. Sprężarka pneumatyczna wystrzeliwuje 11-kilogramowe kulki wosku w narożnik po drugiej stronie pomieszczenia. Głośna agresja z jednej strony i cichy wzrost z drugiej nadają utworowi napięcie, zmysłowość i zniewalającą moc. Według Kapoora narożniki przywołują to, co kobiece, miejsce skrzyżowania: gdzie pion spotyka się z poziomym, lewe spotyka się z prawym, zbieżność i rozbieżność. Strukturalne miejsca ochrony, a jednocześnie przestrzeń wrażliwości. Podczas gdy pistolet jest wyraźnie męską ikoną. Strzelanie to skok mocy, przypływ energii, który łamie kod stabilności. Powstańcze armaty, które co jakiś czas zakłócają bierność kąta recepcyjnego. Działanie to może wywoływać wielorakie interpretacje, ale bardzo ważnym elementem tego dzieła jest jego kondycja teraźniejszości.
Info: Kustosz: Marcello Dantas, Fundación Proa, Av. Pedro de Mendoza 1929 La Boca, Caminito, Buenos Aires, czas trwania: 16/11/19-30/3/20, dni & godziny: WT-niedz 11:00-19:00, www.proa.org
